Joan Mitchell, Pura energía

Mitchell (1925,1992) es considerada como una de las grandes pintoras americanas del siglo XX

Nació en Chicago, en los Estados Unidos, durante un periodo de notable prosperidad regional. Durante su juventud viajó a Europa y a México, antes de radicar definitivamente en Nueva York. La Gran Manzana atrajo a Mitchell por su dinamismo cultural y la oportunidad de impulsar su carrera como artista.

El arte de Joan Mitchell es inconfundible: abstractas composiciones expresionistas de gran formato; pinceladas decididas, rotundas y trazadas con pinceles variados. No obstante, el arte de Mitchell amerita un acercamiento más allá de lo meramente técnico. Su obra es, en última instancia, una seria tentativa por vincular arte y poesía a través de una postura estética comprometida con su propia expresividad.

Justo a inicios de la década de 1950, Mitchell conoció a Willem de Kooning y Franz Kline, experimentados pintores de gran renombre. Tras una serie de exitosas exposiciones individuales, Mitchell ya era una de las exponentes más destacadas del expresionismo abstracto, el movimiento artístico predominante en Europa y Estados Unidos durante aquellos años.

Posteriormente Mitchell se trasladaría a Francia. Sus trabajos en esta nación también consistieron en composiciones abstractas de grandes dimensiones. No obstante, también ensayó variaciones en ellas, por ejemplo, en lo que se refiere al manejo del color, las estructuras de las figuras y otros detalles similares. Las obras de Mitchell tienen la particularidad del uso de goteos decorativos, lo cual hace un grato contraste con sus firmes pinceladas.

Las pinturas de Mitchell, allende su abstracción rigurosa, están motivadas en sus ricas vivencias interiores, y plasmadas por medio de su sensibilidad por lo mágico, lo prodigioso del ser. Esto se explica por la formación que tuvo Mitchell en donde se relacionó con círculos de poetas y literatos de gran nivel...que lo disfrutéis!

LUCIO MUÑOZ PINTOR MATÉRICO

Lucio Muñoz fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del Informalismo Español de la segunda mitad del siglo XX

Preocupado por las cuestiones matéricas, Lucio comenzó a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados,madera, entre otros. El soporte va a ser esencial, pues Lucio, perfora , rasga, realiza incisiones aproximándose de esta forma al Informalismo.

Sus obras coloristas en su mayoría, aunque con predominio del negro, representan un exponente del Informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante dos años, en su fase final su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza.

Las obras de Lucio se muestran como recuerdos de un mundo interior; espacio para la meditación, sugerencias para entender el mundo. Su firme afán investigador le llevó a adentrarse en las posibilidades de los materiales. 

La madera, protagonista indiscutible, se ofrece, pintada, arañada, tallada, astillada, quemada. Ennegrecida y misteriosa en sus primeras obras, y luminosa, desnuda y serena en las últimas.

La utilización del papel , en un momento determinado, le dió espontaneidad, flexibilidad e independencia.

Junto a sus paisajes emocionales y ocultos se muestran composiciones arquitectónicas y objetuales en un progresivo despojo material; una simplicidad formal que también se ve reflejada en los títulos de las obras.

Las obras de Lucio se exhiben en los museos más importantes del mundo, como el Guggenheim, el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York, el British Museum, la Tate Gallery de Londres, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo de Arte contemporáneo de Sevilla, Museo Rufino Tamayo de México, Museo Vaticano de Roma.

La crítica destacó la potencia expresiva de su pintura, llena de misterio y con una gran presencia de la naturaleza. A ella hay que sumar su obra gráfica (con decisivas aportaciones técnicas al grabado de gran formato) y las obras murales, entre las que destacan el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid.

Estas son unas de sus obras "La ciudad inacabada" Técnica Mixta 1998

Que las disfrutéis...!

PINTAR ACUARELA PASO A PASO

Pintar acuarela paso a paso presenta una de las dificultades mas frecuentes es cuando se decide sin duda elegir el tema, aislar el motivo o tema que van a pintar, porque el todo, la densidad de información y el campo de visión suele ser abrumador.
Requiere por lo tanto eso, ir paso a paso; Primero, la historia que queremos contar; ¿Qué nos "emociona" de lo que estamos viendo? ¿Es la luz? ¿Es el contraluz?, ¿Es la Atmósfera?, ¿La niebla? ¿La multitud…?
El siguiente punto a tener en cuenta  es aprender a aislar, separar o adecuar aquello que estamos viendo al formato del papel; Si es mejor formato vertical, horizontal, cuadrado…, (esto, junto con la técnica de acuarela que estamos usando, reforzará   nuestro mensaje)
Creo que es muy interesante hacer un esquema previo del conjunto, recogiendo todo lo que vamos a pintar en un boceto que nos permitirá además sintetizar, simplificarlo todo y tener una visión previa del conjunto...Esta acuarela esta creada paso a paso, sin perder la frescura e inmediatez de la aguada y las veladuras, ha sido realizada por uno de mis alumnos y el resultado aquí lo tenéis...a disfrutarlo!

LA PINTURA CREATIVA EN LOS NIÑOS

La creatividad en los niños es un recurso eficaz como canalización de la expresividad y las emociones, además del aporte o estímulo de la comunicación, sensibilidad, aumenta la capacidad de concentración de los niños.
Desde El Taller de las Artes me involucro en conseguir estos objetivos a partir del Taller de Pintura.
A través de un pincel o de otra herramienta, los niños expresan sus inquietudes y sus emociones, se tranquilizan y serenan. Y al mismo tiempo, desarrollarán sus gustos y perfiles artísticos. El Taller pretende que los niños sean protagonistas de su propia obra,que sean capaces de observar, imaginar, explorar, descubrir y apreciar su entorno e interactuar por medio de su imaginación con la Pintura.

GRUPO 1: Taller de pintura infantil.
Destinado a niños de 4 – 6 años
GRUPO 2: Taller de pintura creativa para niños.
Destinado a niños 7-13 años

Metodología: En el taller se trabaja en grupos pequeños o individualmente según las edades, con pinturas al agua de fácil manejo, expresamente concebidas para este método. Se pinta con las manos, pero también con pinceles, sobre papel.

Duración y Frecuencia: taller 1 clase a la semana de 1 hora 

Horario: Martes, Miércoles, Jueves, Viernes de 17 a 18 h los sábados de 11 a 12 h

 Espacio: Aula o taller en Paseo Menéndez Pelayo,10      Entresuelo

Material necesario o recomendable: papel cartulina, cartón, acrílicos, témperas de colores, paleta de plástico, pinceles, vasos de plástico, bata/baby Precio: 30 euros

+ Información de éste y otros talleres en el tle 626 156 644

Os espero! CLAUDIA IZA

SOL DE OTOÑO Y EL TALLER DE PINTURA

Este año en la calle del sol, se celebró, una vez más, la entrada de Otoño.
Hubo muchas actividades, entre otras, el Taller de Pintura que organicé para niños, jóvenes, adultos...
Bajo el título "SOL DE OTOÑO" se reunieron  niños y padres para pintar y crear  muchos dibujos con la cerveza Dougall´s, a partir de una plantilla de una botella que les daba a cada participante o mejor dicho a cada artista!
Explosión de creatividad de todas las edades, sobre todo niños, entregados a su obra, muy concentrados y dispuestos a darlo todo!

Y ESTE ES EL RESULTADO!!!

Neoimpresionismo...los estudios de Éugene Chevreul

El Neoimpresionismo es un movimiento artísticos de finales del siglo XIX. La gran novedad del neoimpresionismo es la revolución en la técnica de la pincelada en que se crea una nueva forma de construir el cuadro, en función las teorías científicas de la percepción del color. Los líderes de este movimiento son Georges Seurat y Paul Signac.

A principios de los años ochenta del siglo XIX, Éugene Chevreul, científico francés especializado en estudios de óptica, fue reconocido con diferentes homenajes, lo que recuperó algunos de sus estudios en los ambientes parisinos, como el de "La ley del contraste simultáneo de los colores".

En estos trabajos Chevreul establece que existen tres colores primarios: rojo, amarillo, azul y tres colores secundarios: verde, naranja, violeta. Éstos, a su vez, son los complementarios de los primarios que no intervienen en su formación.

• En 1864 Seurat estudia otra obra de Chevreul: "Sobre los colores y su empleo en el arte mediante círculos de color".

Seurat fue un pintor muy analítico que estudió meticulosamente las ideas de Henry para aplicarlas a sus cuadros. A partir de estos ensayos, Seurat se plantea utilizar los colores primarios uno al lado del otro. Por ejemplo, para conseguir el violeta puro (sin impurezas), debería poner un punto rojo al lado de otro azul. A esto se llama Divisionismo (Puntillismo) porque lo que se hace en realidad es dividir el tono en sus colores integrantes.

Sus cuadros son muy trabajados, sólo realizables por personas del carácter de Seurat, muy metódico y retraído. Seurat está en el punto de arranque de una tendencia analítica dentro de la obra de arte.

Fábula de Joan Miró...

El azul estaba inmovilizado entre el rojo y el negro.
El viento iba y venía por la página del llano,
encendía pequeñas fogatas, se revolcaba en la ceniza,
salía con la cara tiznada gritando por las esquinas,
el viento iba y venía abriendo y cerrando puertas y ventanas,
iba y venía por los crepusculares corredores del cráneo,
el viento con mala letra y las manos manchadas de tinta
escribía y borraba lo que había escrito sobre la pared del día.
El sol no era sino el presentimiento del color amarillo,
una insinuación de plumas, el grito futuro del gallo.
La nieve se había extraviado, el mar había perdido el habla,

era un rumor errante, unas vocales en busca de una palabra

Odilon Redon, pintor de la imaginación y el subconsciente.

Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, Odilon Redon (Burdeos, 1840-París, 1916) fue un artista al margen. A pesar del papel fundamental que ha desempeñado en la génesis del arte moderno, así como de su innegable celebridad y de haber producido una obra, a día de hoy, presente en casi todos los grandes museos, sigue siendo uno de los artistas menos conocidos del cambio de los siglos XIX y XX...que lo disfrutéis!