La técnica del pastel en Degás, Toulouse Lautrec

El pastel como ténica artística ha sido utilizado con admiración en el Impresionismo.
Podríamos decir que lo más característico es la mancha de color, suelta y rápida. Además de la témpera, los pasteles también son una técnica interesante; prueba de ello serían los estupendos trabajos de Degas dentro del impresionismo o Toulouse Lautrec 

¿Qué necesitamos?:

• Papel rugoso. El color es importante, ya que si tiene algún tono puede ser muy interesante la interacción del fondo con la aplicación del pastel. El atreverse con un papel que no sea blanco puede enriquecer vuestros dibujos, como veremos posteriormente en los vídeos.
• Pasteles. Hay diversas marcas en el mercado, con forma redonda o cuadrada, algunas más blandas y otras más duras, según la goma arábiga que lleven en su mezcla y el propio color.
• Difumino. Es opcional porque podemos difuminar el color con los dedos si los tenemos limpios de otros tonos.
• Trapo
• Laca de pelo. Aunque existen fijativos específicos para pastel y carbón, la laca es un posible producto para fijar el pastel al final del trabajo.

Edgar Degas espíritu inquieto para un arte "urbano"

Edgar Degas, pintor y escultor parisino (1834/1917), más conocido por su visión particular sobre el mundo del "ballet", al que observaba y retrataba con belleza y sutileza.
Su medio por excelencia era el pastel, ya que su obra la respiraba como "indefinida" a la que había que cambiar y retocar una y otra vez...en ese aspecto el pastel le proporcionaba toda la libertad que deseaba y daba además a sus obras un carácter mate que al parecer le gustaba mucho.
Entre la variada temática presente en su dilatada trayectoria, cabe destacar el exquisito tratamiento concedido a: los retratos, las escenas de género, las carreras de caballo,  la danza, el circo, la vida en los cafés y sobre todo la figura humana en un estudio pormenorizado del movimiento y destinado a captar cualquier instante fugaz de los modelos. Un legado, el suyo, constituido por un arte "urbano", rebosante de objetividad y desprendido de cualquier halo de romanticismo, alejado todo lo posible del ambiente idílico o poético generado por sus coetáneos. 
Considerado como uno de los grandes renovadores de la pintura en el siglo XIX, su obra inmortal y prolífica se halla presente en los más importantes museos del mundo: La Galería Nacional de Londres,  El Museo Louvre de París o La Galería Tate y el MOMA de Nueva York, a decir verdad son una magnífica muestra de su delicada genialidad...que lo disfruteis!

"Imaginariland" Pérez Villalta en Galería Siboney (Santander)

Guillermo Pérez Villalta, considerado pintor de "la movida madrileña" en los años 80, acaba de inaugurar exposición " Imaginariland" en Siboney.
Se caracteriza su obra por un estilo manierista e ilustrativo.  Frente a los valores de cierta modernidad abstracta, la pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa. 
Porque si hay un lugar donde Pérez Villalta se siente realmente un habitante, es en su propia imaginación. Un mundo interior riquísimo, de paisajes desbordantes de creatividad, que posibilitan que lo religioso y lo mitológico, lo biográfico y lo universal, el presente y la historia del arte, se fusionen en su obra...que la disfrutéis!

"Los Viajes de Gulliver" según Guillermo Pérez Villalta

"Cada imagen está concebida de antemano. Desde luego, no iba a sentarme a ver qué salía, sino que leía un capítulo, me lo imaginaba, y me iba quedando con las imágenes que más me habían impactado. Procuré adaptarme realmente al texto, porque creo que las ilustraciones tienen el deber de recordarte el texto una vez que lo has leído"

El Expresionismo abstracto y Willem de Kooning

Willen de Kooning

Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción, usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas, una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera.

De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta. Su obra madura no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. Es la época de su mayor creatividad artística.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

Cy Twombly La frontera entre el Dibujo y la Pintura

La obra de Twombly bebe de los grandes temas del siglo XX: el dilema entre la abstracción y la figuración, la intervención del psicoanálisis, el primitivismo, el papel de la escritura en la pintura,  
Es bien conocido por sus pinturas graffiti de estilo caligráfico de gran tamaño sobre fondos de colores gris,,beige o color hueso.
Los trabajos de Twombly difuminaron la frontera entre el dibujo y la pintura. Muchos de sus cuadros más conocidos de finales de los años sesenta son reminiscencias de un encerado de escuela en el que alguien ha practicado la «e» en cursiva, o de la acumulación intensiva de graffitis de cuartos de baño.
Aquí tenéis una muestra de su obra, hasta el final de sus días (2011) pintó e investigó con la misma ilusión y rigurosidad...que lo disfrutéis!

EL ARTE DE ILUSTRAR con Cecilia Moreno

Queridos todos, hoy veremos la ilustración como técnica artística, 
me gustaría presentaros la ganadora de Talent Shwo de IlustraTour 2013  
Cecilia Moreno y su "Pato Pollo"

Cecilia cuenta cómo fue el proceso creativo de su Pato Pollo...que lo disfruteis!

Empecé a trabajar con el boceto de un Pato Pollo del año anterior (que no llegué a presentar) y que partía de la idea de un “ser” disfrazado de un animal extraño, medio pájaro medio a saber… Seguí jugando con esa idea, con distintas opciones de disfraz, que si conejo-pájaro, que si oso-pájaro… y con estas seguí trabajando hasta que caí en la cuenta de que era interesante la simetría que había creado con las patas y me encontré con un personaje de dos caras, dos personajes en uno. Y esta es la esencia de mi Pato Pollo, un personaje con doble personalidad o hiperactivo, en pleno movimiento.

Impresiones sobre la ilustración con Pep Carrió

Nuestra mente es un ser inquieto y creativo que trabaja constantemente y a una velocidad de vértigo. Incluso cuando estamos realizando una actividad, es asombroso cómo sigue viajando de forma inconsciente.

Una buena prueba de ello son los clásicos garabatos que suelen acompañar a una conversación telefónica, pues si tenemos a nuestro alcance papel y bolígrafo y la conversación es larga y distendida, resulta difícil no desatar nuestra capacidad creativa y enredarnos entre líneas sinuosas, trazos geométricos o pequeños dibujos curiosos que no sabemos de dónde han salido, pero que son fruto del trabajo incansable de la mente.

El ilustrador y diseñador Pep Carrió explora esta idea en su trabajo “Al otro lado de la línea”, que tiene forma de libro. Un libro raro, pues carece de texto y sus páginas están dobladas como un acordeón. Un libro de artista o libro objeto que está plagado de ilustraciones hechas a base de líneas que no parecen tener principio ni fin y cuyo único hilo argumental es un relato inconsciente a través de dibujos, líneas entrelazadas y formas que se repiten creando ritmos casi hipnóticos.

El resultado son una serie de ilustraciones divertidas aunque inquietantes, con un fuerte componente onírico y romántico, que Pep Carrió traslada ahora a un tamaño gigante en esta instalación. En ella, nos invita a coger un rotulador y continuar libremente los trazos que ha dejado inacabados, retándonos así a abandonar nuestra actitud pasiva como espectadores para pasar a formar parte activa de la obra interviniendo en ella y aportando nuestros propias ensoñaciones.

La relación entre la Escultura y el Dibujo

Hola a todos! 
En el arte las dos disciplinas Dibujo y Escultura van de la mano aunque su factura sea una (dibujo) en dos dimensiones y otra (escultura) en tres dimensiones. El Dibujo es la base formal para estructurar y entender una escultura, así los grandes escultores han basado sus estudios en bocetos previos a lápiz, carboncillo, sanguina.
El arte en sí es una forma de comunicar ideas, pensamientos o emociones; el dibujo se denominaba tiempo atrás como un grafismo. Muchos aseguran que el dibujo fue la primera forma de arte sobre el planeta, las primeras representaciones rupestres que conocemos son dibujos y en ellas no sólo se intentaba representar la realidad que rodeaba al hombre (astros, animales, etc.) sino también sensaciones como alegría de la danza o la tensión de las cacerías.
Según los tratadistas italianos, se lo llama escultor a quien quita materia de un bloque hasta obtener la figura deseada, por consiguiente, esculpir o tallar es quitar.Eliminar la masa sobrante era una operación tanto conceptual como técnica, para poder extraer la figura del claustro el escultor debe “visualizarla” primero y después llevar adelante su trabajo.
Sin embargo en el Arte Contemporáneo la escultura ha utilizado otros materiales diferentes a la piedra, el barro o la madera. Me gustaría ofreceros hoy las esculturas de David Oliviera, artista portugués, que crea delicadas figuras artísticas con alambre, las presenta ingrávidas, suspendidas y según la perspectiva te pueden parecer un dibujo...que las disfrutéis!

Turner y sus atsmósferas

Turner y sus atsmósferas...Durante 1844 Turner presentaba en la Royal Academy su obra más famosa: Lluvia, vapor y velocidad, trabajo en el que recogía todas sus investigaciones respecto a la atmósfera, la luz y el color.

       

Al regresar a Londres, Turner se pone en contacto con uno de sus más férreos defensores, John Ruskin, joven teórico de la Historia del Arte que incluirá a Turner en su obra "Modern Painters" y a quien dedicará estas palabras: "en Venecia él encontró libertad de espacio, brillantez de luz y variedad de color"

El Acrílico como técnica de Pintura

LA PINTURA AL  ACRÍLICO

Se trata de una técnica que emplea los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética (hecha a partir de ácido acrílico). El medio asi resultante es soluble en agua. Su secado es rápido y el acabado mate (menos medio acrílico) o brillante (más medio).

Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada (incluso con otra técnica), es muy estable, resistente a la oxidación, etc., siendo la técnica que menos problemas tiene de cara a su conservación.

Se puede trabajar sobre cualquier soporte absorbente, directamente o como imprimación en un medio acrílico con blanco de titanio. Permite empastes de mayor resistencia que el óleo, el cual tiende a cuartearse.

Esta técnica se asocia al Arte contemporáneo sobre todo desde la década de los cincuenta, principalmente en el ámbito americano del expresionismo abstracto (Pollock, Rothko ... ) y entre los pintores de los valores geométricos y del Pop Art (Warhol, Wesselmann... ).