Ilustración by Claudia Iza
lunes, 22 de diciembre de 2014
viernes, 12 de diciembre de 2014
viernes, 16 de mayo de 2014
GEORGES BRAQUE en Guggenheim Bilbao (13 de Junio al 21 de Septiembre)
Organizada con motivo del 50 aniversario de la muerte de Georges Braque (Argenteuil-sur- Seine, 1882−París, 1963), esta gran retrospectiva recorre todas las etapas de la trayectoria de uno de los artistas más importantes del siglo xx.
Creador, junto con Pablo Picasso y Juan Gris, del Cubismo e iniciador de los papiers collés (papeles pegados), Braque centró su obra posterior en la exploración metódica de la naturaleza muerta y del paisaje. Se le consideró el pintor francés por excelencia, heredero de la tradición clásica y precursor de la abstracción de posguerra.
Braque introdujo letras de periódicos y magazines en sus cuadros para prevenir caer en un completo arte abstracto.
Creador, junto con Pablo Picasso y Juan Gris, del Cubismo e iniciador de los papiers collés (papeles pegados), Braque centró su obra posterior en la exploración metódica de la naturaleza muerta y del paisaje. Se le consideró el pintor francés por excelencia, heredero de la tradición clásica y precursor de la abstracción de posguerra.
Braque introdujo letras de periódicos y magazines en sus cuadros para prevenir caer en un completo arte abstracto.
El término "cubismo" viene de un comentario hecho por el artista francés Henry Matisse, creador del Fauvismo, sobre los "pequeños cubos" de los cuadros de Braque... Matisse comentó que Braque reducía los paisajes y las figuras a monótonos y sombrías formas cúbicas...que la disfrutéis!
miércoles, 30 de abril de 2014
EL PAISAJE AL AIRE LIBRE DE FRANCISCO CASARIEGO
Arquitecto y pintor español nacido en Oviedo en 1890. conocido también como Nigro.
En el ámbito de la pintura se destaca por sus paisajes al aire libre, trabajando a espátula en sus últimos años y encuadrándose en una extensa escuela de paisajistas ovetenses, de la que se le considera iniciador junto con Eugenio Tamayo.
Él solía comentar que una visita al Museo de Arte Moderno de Nueva York en los años cincuenta actuó como catalizadora de su vocación artística.
Su obra pictórica es elegante, suelta, con una metodología contenida a la hora de tratar el óleo, de colores tamizados de grises y ocres...que lo disfrutéis!
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En el ámbito de la pintura se destaca por sus paisajes al aire libre, trabajando a espátula en sus últimos años y encuadrándose en una extensa escuela de paisajistas ovetenses, de la que se le considera iniciador junto con Eugenio Tamayo.
Él solía comentar que una visita al Museo de Arte Moderno de Nueva York en los años cincuenta actuó como catalizadora de su vocación artística.
Su obra pictórica es elegante, suelta, con una metodología contenida a la hora de tratar el óleo, de colores tamizados de grises y ocres...que lo disfrutéis!
miércoles, 26 de marzo de 2014
MAN RAY La búsqueda de la libertad y el placer
Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artistamodernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Produjo grandes obras de medios de comunicación, pero se consideraba un pintor sobre todo. Él era el más conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido como fotógrafo de retratos. Ray también es conocido por su trabajo confotogramas, al que llamó «rayografías» (en referencia a sí mismo)
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NUEVA YORK
Man Ray empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.
En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design.
En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dadá neoyorquino.
En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
París[editar]
En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.
Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.
Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.
OBRAS FOTOGRÁFICAS
Últimos años[editar]
En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la pareja de Max Ernst y Dorothea Tanning.1
La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte»
miércoles, 12 de marzo de 2014
DAVID HOCKNEY... ausencia de límites
David Hockney (Bradford, Inglaterra, 9 de julio de 1937) es un artista inglés, que vive en Los Ángeles, California.
Pintor, ilustrador, dibujante y escenógrafo es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon.
En 1963 Hockney visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de pinturas al óleo de piscinas en Los Ángeles, California. Estos trabajos están ejecutados con un estilo más realista y usan colores vibrantes.
David Hockney experimentó con numerosas técnicas a lo largo de su carrera. Es necesario ofrecer una visión más amplia de su proceso creativo tratando aspectos como su empleo de la acuarela y el acrílico.
ESCENOGRAFÍAS
Un aspecto importante pero no demasiado conocido de la producción artística de David Hockney está ligado a sus escenografías. Su primer diseño lo realizó para la ópera El progreso del libertino (1951), de Igor Stravinsky, en 1975 ─en la imagen, podemos ver una de las maquetas originales (tinta y fotografía sobre cartón)─. A partir de entonces, el teatro se convierte en una gran influencia en su arte y en su concepción estética. En sus escenografías, Hockney emplea un gran abanico de técnicas, como grabado, collage y pintura, medios que también aplica directamente sobre los objetos tridimensionales.
ACUARELAS
A principios del siglo XXI, Hockney empezó a pintar acuarelas. A base de práctica, consiguió dominar esta técnica, a menudo considerada anticuada, de la que valora la rapidez con la que permite trabajar. Entre 2002 y 2004, viajó al norte y al sur de Europa; durante ese periplo, pintó una serie de paisajes utilizando esta técnica, “un retorno a la simplicidad”.
IPADS
El artista emplea la aplicación del iPad denominada Brushes para trabajar del natural. En cierta manera, este modo de crear recuerda a la técnica pictórica de los impresionistas, que pintaban a “plein air” el mismo motivo, en un emplazamiento concreto, en distintos momentos del día y del año. Hockney pasa largas horas pintando al aire libre, con diferentes técnicas, en cualquier época del año.Los grandes dibujos del Valle de Yosemite (California) realizados con iPad en 2011 son una exploración del paisaje “sublime”.
El uso del iPad permite a Hockney producir dibujos de muy diferentes tamaños y abre un mundo lleno de nuevas posibilidades para el arte.
FOTOGRAFÍA Y OTROS MEDIOS ÓPTICOS
Hockney ha mantenido una larga relación de amor-odio con la cámara: en algunos períodos ha experimentado con ella intensamente; en otros, ha rechazado por completo su influencia.
Estos collages fotográficos, que recuerdan a la fragmentación cubista, están influidos por la obra de Pablo Picasso, a quien Hockney admira enormemente.
martes, 25 de febrero de 2014
CEZANNE, la profundidad de la naturaleza
Dedico esta entrada a Cezanne coincidiendo con la exposición "CEZANNE site/non-site" en el Museo Thyssen que os recomiendo veáis y disfrutéis!
Paul Cézanne, uno de los pintores franceses más significativos de la segunda mitad del siglo XIX, es generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.
Paul Cézanne, uno de los pintores franceses más significativos de la segunda mitad del siglo XIX, es generalmente considerado «el padre del arte moderno». Comenzó estudiando derecho en Aix, pero en 1861 se trasladó a París para hacerse pintor. En la capital francesa estudió en la Académie Suisse, realizó numerosas copias en el Louvre y se hizo amigo de Camille Pissarro, con quien comenzó a pintar al aire libre. Expuso con los impresionistas en la primera exposición celebrada en el estudio de Nadar, en 1874, y en la tercera de las muestras del grupo en 1877. Las críticas que recibieron sus cuadros provocarían que Cézanne decidiese no volver a exponer en las siguientes convocatorias del grupo y que se alejase de los circuitos artísticos para comenzar un camino personal. Durante toda su vida residió entre París y el sur de Francia, hasta que en 1900 se recluyó definitivamente en Aix-en-Provence, su ciudad natal.
Cézanne consideraba inseparables forma y color. Su lenguaje pictórico se caracteriza por la utilización de áreas de color planas, aplicadas con pinceladas geométricas, que van configurando la superficie del cuadro.
Sus paisajes, bodegones y retratos rompen con la concepción tradicional de profundidad, definida por planos sucesivos, e intentan captar pictóricamente la estructura interior de las cosas.
Aunque desde sus primeros bodegones realistas de juventud, teñidos aún de un cierto romanticismo, el artista mantuvo un interés permanente por la representación plástica de los objetos inanimados, fue en las composiciones más experimentales de su madurez cuando alcanzó una mayor maestría y desenvoltura.
Botella, garrafa, jarro y limones pertenece a ese conjunto de naturalezas muertas realizadas en los últimos años de su vida, en las que, como escribió el crítico británico Roger Fry , «logró la expresión de los sentimientos más exaltados y de las intuiciones más profundas de su naturaleza»
Más de la mitad de la obra de Cezanne está dedicada al paisaje
Ladera en Provenza' de Paul Cézanne (1890-1892). / NATIONAL GALLERY DE LONDRES
'Curva en lo alto del Chemin des Lauves' (1904-1906). / FUNDACIÓN BEYELER
Durante su voluntaria retirada a Aix, caminaba cada día sobre los campos próximos a su vivienda. Enemigo radical de las carreteras modernas, le fascinaba seguir los senderos y caminos que en sus obras aparecen siempre cerrados al final. Son bellos caminos que no van a ninguna parte o que, en la perspectiva, no se ve la manera de traspasarlos.
Cézanne. fue casi toda su vida un pintor incomprendido, incluso fracasado, como lo había sido Claude Lantier, el protagonista de la novela de Émile Zola L’Oeuvre, en quien Cézanne se reconoció, lo que provocó la ruptura con su amigo de la infancia. Sólo en los años finales de su vida volvió a exponer en la galería de Ambroise Vollard en 1895, en la que sería su primera muestra individual. A partir de ese momento su obra pudo ser vista en otras exposiciones y comenzó a ser valorada y a influir en los jóvenes fauvistas y en los futuros cubistas. Su exposición póstuma, celebrada en París en 1907, fue toda una revelación y desencadenó el comienzo del cubismo.
Esta pintura pertenece a un conjunto de retratos al aire libre que Cézanne pintó en Aix-en-Provence al final de su vida.
La verticalidad de la figura se contrapone a la fuerte horizontal del parapeto de color ocre, y las pinceladas geométricas y transparentes, aplicadas con el óleo muy diluido, descomponen la imagen en pequeños planos de color
lunes, 17 de febrero de 2014
MORANDI, el objeto como ente
Hombre sencillo y sedentario, Morandi mantuvo siempre una prudente distancia respecto a las convulsiones de su época; como su obra, la vida del artista estuvo envuelta en una atmósfera tranquila y silenciosa.
Centró su trabajo tanto en el paisaje como en la naturaleza muerta, no hay duda de que son sus bodegones lo que evocamos cuando hablamos de este artista.
Giorgio Morandi nació en Bolonia en 1890 en el seno de una familia de clase media; su padre dirigía una oficina comercial en la que el joven comenzó a trabajar a los dieciséis años. Sin embargo, sus dotes artísticas -,que se manifiestan pronto en una serie de dibujos y dos figurillas en terracota para el belén familiar- le llevan a la Academia de Bellas Artes de su ciudad, donde realiza estudios entre 1907 y 1913. Aunque en los primeros años en esta institución Morandi se comporta como un alumno ejemplar, hacia 1911 la relación con sus profesores se va tomando tensa a medida que el joven artista comienza a definir su propio lenguaje.
Centró su trabajo tanto en el paisaje como en la naturaleza muerta, no hay duda de que son sus bodegones lo que evocamos cuando hablamos de este artista.
Giorgio Morandi nació en Bolonia en 1890 en el seno de una familia de clase media; su padre dirigía una oficina comercial en la que el joven comenzó a trabajar a los dieciséis años. Sin embargo, sus dotes artísticas -,que se manifiestan pronto en una serie de dibujos y dos figurillas en terracota para el belén familiar- le llevan a la Academia de Bellas Artes de su ciudad, donde realiza estudios entre 1907 y 1913. Aunque en los primeros años en esta institución Morandi se comporta como un alumno ejemplar, hacia 1911 la relación con sus profesores se va tomando tensa a medida que el joven artista comienza a definir su propio lenguaje.
En esta época, Morandi conoce la obra de Paul Cézanne a través de las reproducciones en blanco y negro del libro de Vittorio Picca. Poco después, las páginas de la revista La Voce le acercan la obra de Derain, el Aduanero Rousseau y el cubismo de Picasso y Braque. Los estímulos modernos no son los únicos que actúan en su formación, pues, durante una estancia en Florencia, también en el decisivo año de 1910, Morandi queda fascinado por las obras de Giotto, Masaccio y, especialmente, de Paolo Uccello.
En 1913, tras superar con ciertas dificultades el examen de aptitud para la enseñanza, consigue una modesta plaza de profesor suplente en escuelas elementales, que mantendrá hasta 1929 y que le llevará a pueblos perdidos de la Emilia.
De esta época, De Chirico escribiría: "para mantener su obra en la pureza, de noche en las aulas desoladas de alguna escuela elemental, Morandi enseña a los niños las leyes eternas del dibujo geométrico, el fundamento de toda gran belleza y de toda profunda melancolía ". También en 1913, el pintor comienza a relacionarse con los futuristas por mediación de su compañero de estudios Osvaldo Licini, quien le pone en contacto con Marinetti, Russolo y Boccioni.
En los meses siguientes, Morandi asiste con cierta frecuencia a las reuniones del grupo y presenta dos obras a la Primera Exposición Futurista Libre, celebrada entre abril y mayo de 1914 en Roma. Pese a estos contactos, mantiene la independencia frente al movimiento liderado por Marinetti y, sin perder la impronta cezanniana, se va aproximando al cubismo.
lunes, 3 de febrero de 2014
JASPER JOHNS, La transición creativa
Jasper Johns nació en Augusta , GA, y criado en Adelade, SC. Desde muy temprana edad, creció queriendo ser un artista.
Jasper Johns fue un artista que llegó a la escena en la década de 1950.
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Jasper Johns fue un artista que llegó a la escena en la década de 1950.
Gran parte del trabajo que él creó llevó al público estadounidense lejos de la forma del expresionismo, y hacia un movimiento de arte o forma conocida como el hormigón.
Al mudarse a Nueva York, Jasper Johns reunir artistas, lo que le llevó por el camino de querer trabajar en este campo de la carrera aún más. John Cage (compositor) y Merce Cunningham (coreógrafo), y Robert Rauschenburg (pintor), fueron algunas de las primeras influencias que conoció en Nueva York. Una visita a Pennsylvania, para ver "El Gran Vidrio" (Marcel Dunchamp), creó una intriga en su trabajo para Johns. Dunchamp había cambiado el mundo del arte con los "readymades" (una serie de objetos encontrados, pintados como obras terminadas).
A medida que el mundo del arte fue en busca de nuevas ideas, fuera del estilo puramente abstracto, las primeras pinturas de mapas y banderas que Jasper Johns creó, tomaron tanto la alabanza y el ridículo por algunos críticos en el mundo del arte.
Johns tenía la capacidad de experimentar, y también le dio la capacidad de profundizar en los nuevos esfuerzos, y para trabajar con las diferentes formas de arte que él admiraba tanto. Las innovaciones que encontró en la serigrafía, la litografía y el aguafuerte, revolucionarían por completo este campo del arte, y crearían una carrera que se celebraría una serie de piezas que admiraba el mundo del arte.
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