jueves, 7 de noviembre de 2013

PAISAJES CON ALMA Darío de Regoyos

LA ORIGINALIDAD CROMÁTICA, LA AUDAZ REPRESENTACIÓN DE LA LUZ Y LOS FENÓMENOS ATMOSFÉRICOS Y SU VISIÓN DESCARNADA DE LA ESPAÑA NEGRA HACE QUE SUS OBRAS SE CUENTEN ENTRE LAS MÁS INNOVADORAS DE FINALES DEL SIGLO XIX Y PRINCIPIOS DEL XX.
UNA RETROSPECTIVA CON MÁS DE 140 PIEZAS QUE ARRANCA ESTE MES DE NOVIEMBRE EN BILBAO (MUSEO DE BELLAS ARTES) SE DESPLAZARÁ A MADRID, TERMINANDO EN MÁLAGA.
Podéis apreciar esta exposición hasta el 26 de Enero...que lo disfrutéis!

Desde su juventud, el pintor Darío de Regoyos, rechazó los formalismos y todo tipo de restricción que limitara su libre manera de entender el arte.Pronto entendió que en nuestro país estaría limitado por la presión que los autores consagrados y la Academia ejercían sobre los artistas.
De ahí su marcha a Bélgica, donde tuvo la oportunidad de formarse en dibujo de la figura humana en la Real Academia de bellas Artes de Bruselas con Van Sevendonck y en paisaje con  Joseph Quinaux.

MUJERES SIN ROSTRO
Cuando Regoyos volvió de Londres, las mujeres que aparecen en la mayoría de sus pinturas- a excepción de algún retrato- ya no tendrán rostros identificables, sino que, solas o en grupo quedarán integradas en el paisaje, como sucede en "Salida de misa con siroco" ( 1885, colección particular)




EFECTOS DE LUZ
El uso de la espátula fue para él la técnica más adecuada para captar impresiones instantáneas de la naturaleza al prescindir de la precisión a la que obliga el pincel.


CASAS Y COLORES
Mejor trazados y definidos son los perfiles de los edificios, que construían con largas pinceladas que perfilan los contornos, las cornisas y las ventanas.
En las pinturas en las que sitúa casas en primer término de la composición se puede apreciar con nitidez las gruesas y cortas pinceladas, amarillentas, ocres, y rosáceas, con toques verdosos y blancos, que, separadas por otras azules y moradas, más finas y alargadas, van construyendo los tejados a modo de un colorido mosaico.


INCURSIÓN EN EL PUNTILLISMO
En "Las redes" (1983, colección particular), Regoyos muestra a unos hombres apoyados en un muro bajo desde donde contemplan las redes atadas a un mástil que parecen suspendidas en el aire.
La originalidad de la obra radica tanto en la propia composición como en el modo minucioso con el que cada elemento es trabajado, así como en la combinación de distintos tonos en cada zona, aplicados con minúsculos toques de pintura, unos más perceptibles que otros,cuya transparencia permite ver nitidamente las montañas del fondo y un barco surcando el mar.










sábado, 2 de noviembre de 2013

ANTONI TÀPIES del Objeto a la Escultura

Guggenheim Bilbao expone un Tapiés Escultor hasta el 19 Enero 2014

Antoni TàpiesDel objeto a la escultura (1964–2009)muestra al gran público uno de los aspectos más reveladores del artista catalán: su faceta como escultor. La selección, cercana a las cien obras, recorre toda su trayectoria escultórica y objetual, siguiendo sus incursiones en los distintos tipos de técnicas y su empleo de los diferentes materiales: desde los primeros objetos y assemblages de mediados de los años sesenta y setenta hasta las tierras chamoteadas y bronces más recientes. Esta producción, que abarca cinco décadas, constituye un corpus único y autónomo desde el que podemos leer su desarrollo como artista.

Su estilo se define por la palabra matérico, en referencia al uso de elementos de enorme y a veces chocante y humilde fisicidad, hasta vulgaridad, trascendidas por una dimensión espiritual cuyas raíces conectaban con lo más íntimo y ancestral del alma humana.

Estaba muy influenciado por la espiritualidad oriental y especialmente el budismo zen. El contraste entre ese afán universalista y trascendente y su apego a lo cotidiano e incluso lo doméstico —articulaba lo que el artista tenía de más personal y único.

La obra de Tàpies está marcada por las rugosidades, las rasgaduras, las grietas, las cruces y números y signos de su mitología personal. Su trazo es enigmático, su voluntad intrincada, pero su estilo es inconfundible. Todo eso conforma la obra de un artista esencial...


Antoni Tàpies en su taller, Barcelona, 2002


Bañera 1989

Calcetín

Estudio Tápies

martes, 29 de octubre de 2013

Joan Mitchell, Pura energía

Mitchell (1925,1992) es considerada como una de las grandes pintoras americanas del siglo XX

Nació en Chicago, en los Estados Unidos, durante un periodo de notable prosperidad regional. Durante su juventud viajó a Europa y a México, antes de radicar definitivamente en Nueva York. La Gran Manzana atrajo a Mitchell por su dinamismo cultural y la oportunidad de impulsar su carrera como artista.

El arte de Joan Mitchell es inconfundible: abstractas composiciones expresionistas de gran formato; pinceladas decididas, rotundas y trazadas con pinceles variados. No obstante, el arte de Mitchell amerita un acercamiento más allá de lo meramente técnico. Su obra es, en última instancia, una seria tentativa por vincular arte y poesía a través de una postura estética comprometida con su propia expresividad.

Justo a inicios de la década de 1950, Mitchell conoció a Willem de Kooning y Franz Kline, experimentados pintores de gran renombre. Tras una serie de exitosas exposiciones individuales, Mitchell ya era una de las exponentes más destacadas del expresionismo abstracto, el movimiento artístico predominante en Europa y Estados Unidos durante aquellos años.

Posteriormente Mitchell se trasladaría a Francia. Sus trabajos en esta nación también consistieron en composiciones abstractas de grandes dimensiones. No obstante, también ensayó variaciones en ellas, por ejemplo, en lo que se refiere al manejo del color, las estructuras de las figuras y otros detalles similares. Las obras de Mitchell tienen la particularidad del uso de goteos decorativos, lo cual hace un grato contraste con sus firmes pinceladas.

Las pinturas de Mitchell, allende su abstracción rigurosa, están motivadas en sus ricas vivencias interiores, y plasmadas por medio de su sensibilidad por lo mágico, lo prodigioso del ser. Esto se explica por la formación que tuvo Mitchell en donde se relacionó con círculos de poetas y literatos de gran nivel...que lo disfrutéis!

martes, 22 de octubre de 2013

LUCIO MUÑOZ PINTOR MATÉRICO

Lucio Muñoz fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del Informalismo Español de la segunda mitad del siglo XX

Preocupado por las cuestiones matéricas, Lucio comenzó a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados,madera, entre otros. El soporte va a ser esencial, pues Lucio, perfora , rasga, realiza incisiones aproximándose de esta forma al Informalismo.
Sus obras coloristas en su mayoría, aunque con predominio del negro, representan un exponente del Informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante dos años, en su fase final su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza.
Las obras de Lucio se muestran como recuerdos de un mundo interior; espacio para la meditación, sugerencias para entender el mundo. Su firme afán investigador le llevó a adentrarse en las posibilidades de los materiales. 
La madera, protagonista indiscutible, se ofrece, pintada, arañada, tallada, astillada, quemada. Ennegrecida y misteriosa en sus primeras obras, y luminosa, desnuda y serena en las últimas.
La utilización del papel , en un momento determinado, le dió espontaneidad, flexibilidad e independencia.
Junto a sus paisajes emocionales y ocultos se muestran composiciones arquitectónicas y objetuales en un progresivo despojo material; una simplicidad formal que también se ve reflejada en los títulos de las obras.

Las obras de Lucio se exhiben en los museos más importantes del mundo, como el Guggenheim, el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York, el British Museum, la Tate Gallery de Londres, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo de Arte contemporáneo de Sevilla, Museo Rufino Tamayo de México, Museo Vaticano de Roma.

La crítica destacó la potencia expresiva de su pintura, llena de misterio y con una gran presencia de la naturaleza. A ella hay que sumar su obra gráfica (con decisivas aportaciones técnicas al grabado de gran formato) y las obras murales, entre las que destacan el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid.

Estas son unas de sus obras "La ciudad inacabada" Técnica Mixta 1998



Que las disfrutéis...!




viernes, 18 de octubre de 2013

PINTAR ACUARELA PASO A PASO


Pintar acuarela paso a paso presenta una de las dificultades mas frecuentes es cuando se decide sin duda elegir el tema, aislar el motivo o tema que van a pintar, porque el todo, la densidad de información y el campo de visión suele ser abrumador.
Requiere por lo tanto eso, ir paso a paso; Primero, la historia que queremos contar; ¿Qué nos "emociona" de lo que estamos viendo? ¿Es la luz? ¿Es el contraluz?, ¿Es la Atmósfera?, ¿La niebla? ¿La multitud…?
El siguiente punto a tener en cuenta  es aprender a aislar, separar o adecuar aquello que estamos viendo al formato del papel; Si es mejor formato vertical, horizontal, cuadrado…, (esto, junto con la técnica de acuarela que estamos usando, reforzará   nuestro mensaje)
Creo que es muy interesante hacer un esquema previo del conjunto, recogiendo todo lo que vamos a pintar en un boceto que nos permitirá además sintetizar, simplificarlo todo y tener una visión previa del conjunto...Esta acuarela esta creada paso a paso, sin perder la frescura e inmediatez de la aguada y las veladuras, ha sido realizada por uno de mis alumnos y el resultado aquí lo tenéis...a disfrutarlo!



martes, 15 de octubre de 2013

LA PINTURA CREATIVA EN LOS NIÑOS

La creatividad en los niños es un recurso eficaz como canalización de la expresividad y las emociones, además del aporte o estímulo de la comunicación, sensibilidad, aumenta la capacidad de concentración de los niños.
Desde El Taller de las Artes me involucro en conseguir estos objetivos a partir del Taller de Pintura.
A través de un pincel o de otra herramienta, los niños expresan sus inquietudes y sus emociones, se tranquilizan y serenan. Y al mismo tiempo, desarrollarán sus gustos y perfiles artísticos. El Taller pretende que los niños sean protagonistas de su propia obra,que sean capaces de observar, imaginar, explorar, descubrir y apreciar su entorno e interactuar por medio de su imaginación con la Pintura.

GRUPO 1: Taller de pintura infantil.
Destinado a niños de 4 – 6 años
GRUPO 2: Taller de pintura creativa para niños.
Destinado a niños 7-13 años
Metodología: En el taller se trabaja en grupos pequeños o individualmente según las edades, con pinturas al agua de fácil manejo, expresamente concebidas para este método. Se pinta con las manos, pero también con pinceles, sobre papel.
Duración y Frecuencia: taller 1 clase a la semana de 1 hora 
Horario: Martes, Miércoles, Jueves, Viernes de 17 a 18 h los sábados de 11 a 12 h
 Espacio: Aula o taller en Paseo Menéndez Pelayo,10      Entresuelo
Material necesario o recomendable: papel cartulina, cartón, acrílicos, témperas de colores, paleta de plástico, pinceles, vasos de plástico, bata/baby Precio: 30 euros
+ Información de éste y otros talleres en el tle 626 156 644
Os espero! CLAUDIA IZA

lunes, 14 de octubre de 2013

SOL DE OTOÑO Y EL TALLER DE PINTURA

Este año en la calle del sol, se celebró, una vez más, la entrada de Otoño.
Hubo muchas actividades, entre otras, el Taller de Pintura que organicé para niños, jóvenes, adultos...
Bajo el título "SOL DE OTOÑO" se reunieron  niños y padres para pintar y crear  muchos dibujos con la cerveza Dougall´s, a partir de una plantilla de una botella que les daba a cada participante o mejor dicho a cada artista!
Explosión de creatividad de todas las edades, sobre todo niños, entregados a su obra, muy concentrados y dispuestos a darlo todo!









Y ESTE ES EL RESULTADO!!!