Neoimpresionismo...los estudios de Éugene Chevreul

El Neoimpresionismo es un movimiento artísticos de finales del siglo XIX. La gran novedad del neoimpresionismo es la revolución en la técnica de la pincelada en que se crea una nueva forma de construir el cuadro, en función las teorías científicas de la percepción del color. Los líderes de este movimiento son Georges Seurat y Paul Signac.

A principios de los años ochenta del siglo XIX, Éugene Chevreul, científico francés especializado en estudios de óptica, fue reconocido con diferentes homenajes, lo que recuperó algunos de sus estudios en los ambientes parisinos, como el de "La ley del contraste simultáneo de los colores".

En estos trabajos Chevreul establece que existen tres colores primarios: rojo, amarillo, azul y tres colores secundarios: verde, naranja, violeta. Éstos, a su vez, son los complementarios de los primarios que no intervienen en su formación.

• En 1864 Seurat estudia otra obra de Chevreul: "Sobre los colores y su empleo en el arte mediante círculos de color".

Seurat fue un pintor muy analítico que estudió meticulosamente las ideas de Henry para aplicarlas a sus cuadros. A partir de estos ensayos, Seurat se plantea utilizar los colores primarios uno al lado del otro. Por ejemplo, para conseguir el violeta puro (sin impurezas), debería poner un punto rojo al lado de otro azul. A esto se llama Divisionismo (Puntillismo) porque lo que se hace en realidad es dividir el tono en sus colores integrantes.

Sus cuadros son muy trabajados, sólo realizables por personas del carácter de Seurat, muy metódico y retraído. Seurat está en el punto de arranque de una tendencia analítica dentro de la obra de arte.

Fábula de Joan Miró...

El azul estaba inmovilizado entre el rojo y el negro.
El viento iba y venía por la página del llano,
encendía pequeñas fogatas, se revolcaba en la ceniza,
salía con la cara tiznada gritando por las esquinas,
el viento iba y venía abriendo y cerrando puertas y ventanas,
iba y venía por los crepusculares corredores del cráneo,
el viento con mala letra y las manos manchadas de tinta
escribía y borraba lo que había escrito sobre la pared del día.
El sol no era sino el presentimiento del color amarillo,
una insinuación de plumas, el grito futuro del gallo.
La nieve se había extraviado, el mar había perdido el habla,

era un rumor errante, unas vocales en busca de una palabra

Odilon Redon, pintor de la imaginación y el subconsciente.

Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, Odilon Redon (Burdeos, 1840-París, 1916) fue un artista al margen. A pesar del papel fundamental que ha desempeñado en la génesis del arte moderno, así como de su innegable celebridad y de haber producido una obra, a día de hoy, presente en casi todos los grandes museos, sigue siendo uno de los artistas menos conocidos del cambio de los siglos XIX y XX...que lo disfrutéis!

El Arte como antídoto contra el adormecimiento de mente y espíritu

El arte, como antídoto contra el adormecimiento de mente y espíritu, siempre ha jugado un papel preponderante en las sociedades dinámicas, abiertas, creativas e innovadoras. Por ello, cuando se ha querido restringir libertades y dominar voluntades, los poderes de turno se han preocupado por controlarlo o minimizar su impacto e influencia.El arte, en sus distintas manifestaciones (música, pintura, arquitectura, literatura, danza, teatro, cine, etc.), desde tiempos inmemoriales ha sido vehículo de comunicación y por tanto de expresión emocional. Lo mismo para los creadores – artistas que para los receptores, el arte ha supuesto y supone un instrumento que nos permite experimentar con el potencial de nuestras reacciones emocionales con la finalidad de lograr una mejor adaptación a la vida diaria. El arte supone – ya lo dijo Aristóteles en su Poética – catarsis, liberación, purga cognitiva y convulsión emocional. Además, abre mentes y sintoniza corazones, proyectándonos hacia el juego, la exploración y el conocimiento. Y esto, claro está, para algunos siempre ha resultado impertinente o demasiado provocador.

La pintura, a través del color, la textura o el trazo, o la música, mediante el sonido, el ritmo o la melodía, nos pueden sugerir emociones de placidez, inquietud, armonía, tristeza o alegría.

La técnica del pastel en Degás, Toulouse Lautrec

El pastel como ténica artística ha sido utilizado con admiración en el Impresionismo.
Podríamos decir que lo más característico es la mancha de color, suelta y rápida. Además de la témpera, los pasteles también son una técnica interesante; prueba de ello serían los estupendos trabajos de Degas dentro del impresionismo o Toulouse Lautrec 

¿Qué necesitamos?:

• Papel rugoso. El color es importante, ya que si tiene algún tono puede ser muy interesante la interacción del fondo con la aplicación del pastel. El atreverse con un papel que no sea blanco puede enriquecer vuestros dibujos, como veremos posteriormente en los vídeos.
• Pasteles. Hay diversas marcas en el mercado, con forma redonda o cuadrada, algunas más blandas y otras más duras, según la goma arábiga que lleven en su mezcla y el propio color.
• Difumino. Es opcional porque podemos difuminar el color con los dedos si los tenemos limpios de otros tonos.
• Trapo
• Laca de pelo. Aunque existen fijativos específicos para pastel y carbón, la laca es un posible producto para fijar el pastel al final del trabajo.

Edgar Degas espíritu inquieto para un arte "urbano"

Edgar Degas, pintor y escultor parisino (1834/1917), más conocido por su visión particular sobre el mundo del "ballet", al que observaba y retrataba con belleza y sutileza.
Su medio por excelencia era el pastel, ya que su obra la respiraba como "indefinida" a la que había que cambiar y retocar una y otra vez...en ese aspecto el pastel le proporcionaba toda la libertad que deseaba y daba además a sus obras un carácter mate que al parecer le gustaba mucho.
Entre la variada temática presente en su dilatada trayectoria, cabe destacar el exquisito tratamiento concedido a: los retratos, las escenas de género, las carreras de caballo,  la danza, el circo, la vida en los cafés y sobre todo la figura humana en un estudio pormenorizado del movimiento y destinado a captar cualquier instante fugaz de los modelos. Un legado, el suyo, constituido por un arte "urbano", rebosante de objetividad y desprendido de cualquier halo de romanticismo, alejado todo lo posible del ambiente idílico o poético generado por sus coetáneos. 
Considerado como uno de los grandes renovadores de la pintura en el siglo XIX, su obra inmortal y prolífica se halla presente en los más importantes museos del mundo: La Galería Nacional de Londres,  El Museo Louvre de París o La Galería Tate y el MOMA de Nueva York, a decir verdad son una magnífica muestra de su delicada genialidad...que lo disfruteis!

"Imaginariland" Pérez Villalta en Galería Siboney (Santander)

Guillermo Pérez Villalta, considerado pintor de "la movida madrileña" en los años 80, acaba de inaugurar exposición " Imaginariland" en Siboney.
Se caracteriza su obra por un estilo manierista e ilustrativo.  Frente a los valores de cierta modernidad abstracta, la pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa. 
Porque si hay un lugar donde Pérez Villalta se siente realmente un habitante, es en su propia imaginación. Un mundo interior riquísimo, de paisajes desbordantes de creatividad, que posibilitan que lo religioso y lo mitológico, lo biográfico y lo universal, el presente y la historia del arte, se fusionen en su obra...que la disfrutéis!

"Los Viajes de Gulliver" según Guillermo Pérez Villalta

"Cada imagen está concebida de antemano. Desde luego, no iba a sentarme a ver qué salía, sino que leía un capítulo, me lo imaginaba, y me iba quedando con las imágenes que más me habían impactado. Procuré adaptarme realmente al texto, porque creo que las ilustraciones tienen el deber de recordarte el texto una vez que lo has leído"