Lo mejor de su trabajo está no sólo en el trazo o el color sino en el alto nivel simbólico, y poético que tienen sus ilustraciones. Cada dibujo una mágica pequeña historia...qué lo disfruteis!
martes, 12 de noviembre de 2013
ILUSTRACIÓN Y POESÍA ERIC PUYBARET
Eric Puybaret, es un ilustrador francés con más de 20 títulos publicados.
Lo mejor de su trabajo está no sólo en el trazo o el color sino en el alto nivel simbólico, y poético que tienen sus ilustraciones. Cada dibujo una mágica pequeña historia...qué lo disfruteis!
Lo mejor de su trabajo está no sólo en el trazo o el color sino en el alto nivel simbólico, y poético que tienen sus ilustraciones. Cada dibujo una mágica pequeña historia...qué lo disfruteis!
jueves, 7 de noviembre de 2013
PAISAJES CON ALMA Darío de Regoyos
LA ORIGINALIDAD CROMÁTICA, LA AUDAZ REPRESENTACIÓN DE LA LUZ Y LOS FENÓMENOS ATMOSFÉRICOS Y SU VISIÓN DESCARNADA DE LA ESPAÑA NEGRA HACE QUE SUS OBRAS SE CUENTEN ENTRE LAS MÁS INNOVADORAS DE FINALES DEL SIGLO XIX Y PRINCIPIOS DEL XX.
UNA RETROSPECTIVA CON MÁS DE 140 PIEZAS QUE ARRANCA ESTE MES DE NOVIEMBRE EN BILBAO (MUSEO DE BELLAS ARTES) SE DESPLAZARÁ A MADRID, TERMINANDO EN MÁLAGA.
Podéis apreciar esta exposición hasta el 26 de Enero...que lo disfrutéis!
Desde su juventud, el pintor Darío de Regoyos, rechazó los formalismos y todo tipo de restricción que limitara su libre manera de entender el arte.Pronto entendió que en nuestro país estaría limitado por la presión que los autores consagrados y la Academia ejercían sobre los artistas.
De ahí su marcha a Bélgica, donde tuvo la oportunidad de formarse en dibujo de la figura humana en la Real Academia de bellas Artes de Bruselas con Van Sevendonck y en paisaje con Joseph Quinaux.
MUJERES SIN ROSTRO
Cuando Regoyos volvió de Londres, las mujeres que aparecen en la mayoría de sus pinturas- a excepción de algún retrato- ya no tendrán rostros identificables, sino que, solas o en grupo quedarán integradas en el paisaje, como sucede en "Salida de misa con siroco" ( 1885, colección particular)
UNA RETROSPECTIVA CON MÁS DE 140 PIEZAS QUE ARRANCA ESTE MES DE NOVIEMBRE EN BILBAO (MUSEO DE BELLAS ARTES) SE DESPLAZARÁ A MADRID, TERMINANDO EN MÁLAGA.
Podéis apreciar esta exposición hasta el 26 de Enero...que lo disfrutéis!
Desde su juventud, el pintor Darío de Regoyos, rechazó los formalismos y todo tipo de restricción que limitara su libre manera de entender el arte.Pronto entendió que en nuestro país estaría limitado por la presión que los autores consagrados y la Academia ejercían sobre los artistas.
De ahí su marcha a Bélgica, donde tuvo la oportunidad de formarse en dibujo de la figura humana en la Real Academia de bellas Artes de Bruselas con Van Sevendonck y en paisaje con Joseph Quinaux.
MUJERES SIN ROSTRO
Cuando Regoyos volvió de Londres, las mujeres que aparecen en la mayoría de sus pinturas- a excepción de algún retrato- ya no tendrán rostros identificables, sino que, solas o en grupo quedarán integradas en el paisaje, como sucede en "Salida de misa con siroco" ( 1885, colección particular)
EFECTOS DE LUZ
El uso de la espátula fue para él la técnica más adecuada para captar impresiones instantáneas de la naturaleza al prescindir de la precisión a la que obliga el pincel.
CASAS Y COLORES
Mejor trazados y definidos son los perfiles de los edificios, que construían con largas pinceladas que perfilan los contornos, las cornisas y las ventanas.
En las pinturas en las que sitúa casas en primer término de la composición se puede apreciar con nitidez las gruesas y cortas pinceladas, amarillentas, ocres, y rosáceas, con toques verdosos y blancos, que, separadas por otras azules y moradas, más finas y alargadas, van construyendo los tejados a modo de un colorido mosaico.
INCURSIÓN EN EL PUNTILLISMO
En "Las redes" (1983, colección particular), Regoyos muestra a unos hombres apoyados en un muro bajo desde donde contemplan las redes atadas a un mástil que parecen suspendidas en el aire.
La originalidad de la obra radica tanto en la propia composición como en el modo minucioso con el que cada elemento es trabajado, así como en la combinación de distintos tonos en cada zona, aplicados con minúsculos toques de pintura, unos más perceptibles que otros,cuya transparencia permite ver nitidamente las montañas del fondo y un barco surcando el mar.
sábado, 2 de noviembre de 2013
ANTONI TÀPIES del Objeto a la Escultura
Guggenheim Bilbao expone un Tapiés Escultor hasta el 19 Enero 2014
Antoni Tàpies. Del objeto a la escultura (1964–2009)muestra al gran público uno de los aspectos más reveladores del artista catalán: su faceta como escultor. La selección, cercana a las cien obras, recorre toda su trayectoria escultórica y objetual, siguiendo sus incursiones en los distintos tipos de técnicas y su empleo de los diferentes materiales: desde los primeros objetos y assemblages de mediados de los años sesenta y setenta hasta las tierras chamoteadas y bronces más recientes. Esta producción, que abarca cinco décadas, constituye un corpus único y autónomo desde el que podemos leer su desarrollo como artista.
Su estilo se define por la palabra matérico, en referencia al uso de elementos de enorme y a veces chocante y humilde fisicidad, hasta vulgaridad, trascendidas por una dimensión espiritual cuyas raíces conectaban con lo más íntimo y ancestral del alma humana.
Estaba muy influenciado por la espiritualidad oriental y especialmente el budismo zen. El contraste entre ese afán universalista y trascendente y su apego a lo cotidiano e incluso lo doméstico —articulaba lo que el artista tenía de más personal y único.
La obra de Tàpies está marcada por las rugosidades, las rasgaduras, las grietas, las cruces y números y signos de su mitología personal. Su trazo es enigmático, su voluntad intrincada, pero su estilo es inconfundible. Todo eso conforma la obra de un artista esencial...
Antoni Tàpies en su taller, Barcelona, 2002
Bañera 1989
Calcetín
Estudio Tápies
martes, 29 de octubre de 2013
Joan Mitchell, Pura energía
Mitchell (1925,1992) es considerada como una de las grandes pintoras americanas del siglo XX
Nació en Chicago, en los Estados Unidos, durante un periodo de notable prosperidad regional. Durante su juventud viajó a Europa y a México, antes de radicar definitivamente en Nueva York. La Gran Manzana atrajo a Mitchell por su dinamismo cultural y la oportunidad de impulsar su carrera como artista.
El arte de Joan Mitchell es inconfundible: abstractas composiciones expresionistas de gran formato; pinceladas decididas, rotundas y trazadas con pinceles variados. No obstante, el arte de Mitchell amerita un acercamiento más allá de lo meramente técnico. Su obra es, en última instancia, una seria tentativa por vincular arte y poesía a través de una postura estética comprometida con su propia expresividad.
Justo a inicios de la década de 1950, Mitchell conoció a Willem de Kooning y Franz Kline, experimentados pintores de gran renombre. Tras una serie de exitosas exposiciones individuales, Mitchell ya era una de las exponentes más destacadas del expresionismo abstracto, el movimiento artístico predominante en Europa y Estados Unidos durante aquellos años.
Posteriormente Mitchell se trasladaría a Francia. Sus trabajos en esta nación también consistieron en composiciones abstractas de grandes dimensiones. No obstante, también ensayó variaciones en ellas, por ejemplo, en lo que se refiere al manejo del color, las estructuras de las figuras y otros detalles similares. Las obras de Mitchell tienen la particularidad del uso de goteos decorativos, lo cual hace un grato contraste con sus firmes pinceladas.
Las pinturas de Mitchell, allende su abstracción rigurosa, están motivadas en sus ricas vivencias interiores, y plasmadas por medio de su sensibilidad por lo mágico, lo prodigioso del ser. Esto se explica por la formación que tuvo Mitchell en donde se relacionó con círculos de poetas y literatos de gran nivel...que lo disfrutéis!
Nació en Chicago, en los Estados Unidos, durante un periodo de notable prosperidad regional. Durante su juventud viajó a Europa y a México, antes de radicar definitivamente en Nueva York. La Gran Manzana atrajo a Mitchell por su dinamismo cultural y la oportunidad de impulsar su carrera como artista.
El arte de Joan Mitchell es inconfundible: abstractas composiciones expresionistas de gran formato; pinceladas decididas, rotundas y trazadas con pinceles variados. No obstante, el arte de Mitchell amerita un acercamiento más allá de lo meramente técnico. Su obra es, en última instancia, una seria tentativa por vincular arte y poesía a través de una postura estética comprometida con su propia expresividad.
Justo a inicios de la década de 1950, Mitchell conoció a Willem de Kooning y Franz Kline, experimentados pintores de gran renombre. Tras una serie de exitosas exposiciones individuales, Mitchell ya era una de las exponentes más destacadas del expresionismo abstracto, el movimiento artístico predominante en Europa y Estados Unidos durante aquellos años.
Posteriormente Mitchell se trasladaría a Francia. Sus trabajos en esta nación también consistieron en composiciones abstractas de grandes dimensiones. No obstante, también ensayó variaciones en ellas, por ejemplo, en lo que se refiere al manejo del color, las estructuras de las figuras y otros detalles similares. Las obras de Mitchell tienen la particularidad del uso de goteos decorativos, lo cual hace un grato contraste con sus firmes pinceladas.
Las pinturas de Mitchell, allende su abstracción rigurosa, están motivadas en sus ricas vivencias interiores, y plasmadas por medio de su sensibilidad por lo mágico, lo prodigioso del ser. Esto se explica por la formación que tuvo Mitchell en donde se relacionó con círculos de poetas y literatos de gran nivel...que lo disfrutéis!
martes, 22 de octubre de 2013
LUCIO MUÑOZ PINTOR MATÉRICO
Lucio Muñoz fue un pintor abstracto, uno de los máximos exponentes del Informalismo Español de la segunda mitad del siglo XX
Preocupado por las cuestiones matéricas, Lucio comenzó a utilizar materiales de la más variada naturaleza, como papeles quemados,madera, entre otros. El soporte va a ser esencial, pues Lucio, perfora , rasga, realiza incisiones aproximándose de esta forma al Informalismo.
Sus obras coloristas en su mayoría, aunque con predominio del negro, representan un exponente del Informalismo más puro. Después de cultivar el grabado durante dos años, en su fase final su pintura se vuelve menos agresiva debido al tipo de materiales que utiliza.
Las obras de Lucio se muestran como recuerdos de un mundo interior; espacio para la meditación, sugerencias para entender el mundo. Su firme afán investigador le llevó a adentrarse en las posibilidades de los materiales.
La madera, protagonista indiscutible, se ofrece, pintada, arañada, tallada, astillada, quemada. Ennegrecida y misteriosa en sus primeras obras, y luminosa, desnuda y serena en las últimas.
La utilización del papel , en un momento determinado, le dió espontaneidad, flexibilidad e independencia.
Junto a sus paisajes emocionales y ocultos se muestran composiciones arquitectónicas y objetuales en un progresivo despojo material; una simplicidad formal que también se ve reflejada en los títulos de las obras.
Las obras de Lucio se exhiben en los museos más importantes del mundo, como el Guggenheim, el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York, el British Museum, la Tate Gallery de Londres, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Arte Abstracto de Cuenca, Museo de Arte contemporáneo de Sevilla, Museo Rufino Tamayo de México, Museo Vaticano de Roma.
La crítica destacó la potencia expresiva de su pintura, llena de misterio y con una gran presencia de la naturaleza. A ella hay que sumar su obra gráfica (con decisivas aportaciones técnicas al grabado de gran formato) y las obras murales, entre las que destacan el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid.
Estas son unas de sus obras "La ciudad inacabada" Técnica Mixta 1998
Que las disfrutéis...!
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